Lamento sobre Cristo muerto

Giotto di Bondone (1267-1337), más conocido como Giotto, tuvo por maestro a Cimabue, y ya en el año 1300 era un artista de gran fama. Pintor y arquitecto, su influencia se extendió por toda Italia y posteriormente a Europa entera. El ciclo de las Historias de María y las Historias de Cristo que representó en la gótica capilla de Scrovegni, está considerado una de las principales obra maestras del arte medieval.

Lamento sobre Cristo muerto forma parte de este ciclo. En la obra, la figura de Cristo muerto se encuentra desnuda tendida en el suelo. Junto a él, un grupo de mujeres cuida el cadáver; más allá, sus discípulos se hallan sumidos en el lamento, y en el cielo los ángeles participan del duelo con igual congoja.

El fondo de la escena lo componen las rocas el árbol deshojado y el cielo oscurecido por un azul intenso. Todo parece indicar que la tragedia humana se ha desatado sobre la tierra. Cada figura tiene su propia posición y expresa un gesto individual de atención o desolación ante la imagen del fallecido.

En primer plano emergen los dos cuerpos agachados, más allá de Cristo se encuentran las figuras acongojadas de la Virgen María y María Magdalena. Los personajes inclinados hacia delante con vestidos celeste y rosa dirigen su atención hacia las figuras principales.

Dos parejas de pie, a la derecha y a la izquierda, cierran el grupo. En la parte superior de la obra, las composición de la figura de los ángeles se encuentra definida por curvas ascendentes, así como las terrenales están contenidas en general por curvas descendentes. La separación de estos grupos se encuentra parcialmente determinada por la línea que atraviesa de forma oblicua la escena.

Es importante destacar el detalle de la Madre con la Santa Faz.. La fría rigidez de la muerte contrasta con la vitalidad del rostro y la delicadeza de las manos de la Virgen. Las miradas de casi todos los personajes de la representación se concentran en esta escena principal, e incluso la roca que sobresale de la derecha sigue la misma dirección que la línea de las miradas como un respaldo de robusta materia. La expresividad en esta escena debía conmover al observador y llamarlo al arrepentimiento ante la visión del sacrificio Divino.

Pinturas murales del Panteón de San Isidoro de León

La cronología del Panteón es dudosa, se daba por fecha segura la anterior a 1063, en que es consagrada la iglesia de Fernando I. También es dudosa la datación de las pinturas murales, que tuvieron que ser ejecutadas antes de 1149, fecha en que se consagró la nueva iglesia.

El Panteón tiene una nómina importante de capiteles: unos son de tema vegetal, otros con figuras zoomórficas e historiados, como los dos que decoran el antiguo ingreso en el templo, sorprendentes por ser los primeros que en el arte románico español reproducen escenas evangélicas; el de la izquierda representa la resurrección de Lázaro y el de la derecha, la curación del leproso.

Las seis bóvedas están totalmente decoradas con pinturas murales de tal belleza, extensión y conservación que al recinto se le ha dado el nombre de Capilla Sixtina del arte románico.

Están realizadas al fresco sobre yeso blanco. Las escenas se enmarcan por orlas decorativas. Se desconoce el autor o autores de la obra. El programa iconográfico es variado: escenas evangélicas y del Apocalipsis, personajes del santoral y un calendario agrícola.

Se representa la matanza de los Santos Inocentes. En el que centra el lado a nuestra derecha, Herodes sentado, desdibujada su imagen, ordena la ejecución de los niños. Mientras un soldado armado de espada y escudo monta guardia tras él, otros cuatro cumplen sus órdenes y ejecutan infantes. La cara de los sayones es absolutamente inexpresiva. Solo en las de los infantes se aprecia algún matiz. Imagenes rígidas con poco movimiento.

Se representa el nacimiento de Cristo. La imagen figurada de los montes en que pastan los rebaños se resuelve por medio de lineas onduladas. Los rebaños de cabras, caballos y vacas se distribuyen aquí y allá en la escena. Hay tres pastores. Uno arriba a la izquierda, en segundo plano, que toca el cuerno avisando de lo que ocurre. Otro a nuestra derecha, da de comer a su perro. Y el tercero, aparece sentado en el suelo sobre su capa mientras toca un silbo y empuña . El ángel parece surgir desde el ángulo inferior izquierdo. Es una imagen con más movimiento,  más reales, uso de la linea sobre el color,colores claros, aparición de elementos naturales, propio del románico.

La Última Cena también en una de las bóvedas . En lugar preferente bajo un arco a modo de ábside se halla Cristo con San Pedro a su derecha y San Juan en su regazo. Al otro lado, Judas roba el pez, símbolo de Cristo. El resto de los apóstoles se disponen a ambos lados y en los ángulos de la escena. Se representa a personas con poca expresión, lineas simples, con colores apagados, nariz grande y ojos almendrados. Los animales son pequeños con colores apagados, extremidades desproporcionadas y con grandes ojos. Existe cierta comunicación entre las figuras, se miran entre ellos. Se repiten los estereotipos románicos. La figuras se adaptan en la zona donde están pintadas. (ley del marco arquitectónico)

Pinturas murales de San Clemente de Tahull

Es una iglesia románica de fuerte influencia Lombarda, del siglos. XI-XII, situada en la provincia de Lérida.

Posee una planta basilical con sus muros no exactamente paralelos. Consta de tres naves rematadas en su cabecera con un ábside cada una. La nave central es el doble de alta y ancha que las laterales. Las tres naves son de bóveda de cañón y están separadas entre si por medio de columnas cilíndricas, sólo algunas con basas, cubierto con un tejado a dos aguas.Todas poseen típica decoración lombarda con collarín y sin capitel, sólo con ábaco. Posee escasos vanos y tiene adosada una torre en su nave lateral.

En su interior destacan las pinturas murales, principalmente la situada en el ábside central, con un pantócrator de cristo juez con expresión hierática, frontalidad y un intento de crear volumen mediante las vestimentas de Cristo.

Obra realizada al fresco sobre el yeso del abside de la Iglesia de San Clemente de Tahull, del s.XII. Este pantócrator es característico del arte románico. Como podemos observar, tiene una simetría clara, con poca expresividad y poco realismo, ya que lo que interesa no es el realismo, sino el mensaje que se quiere transmitir. Las arrugas de la túnica son básicas y muy esquemáticas. El esquematismo se da en toda la obra en general. Los brazos hacen un efecto como si éstos  saliesen del costado, aunque el hombro esté en su sitio; una mano está bendiciendo, y en la otra sostiene las Tablas de la Ley. En el resto encontramos unos ojos almendrados, ninguna emoción y una marcada simetría. Además, una aureola rodea la cabeza del Cristo, símbolo de la divinidad.

Jerarquización de las figuras, Cristo es más grande que el resto de los personajes, Estereotipos que se repiten en los pies o los pliegues.

Otro detalle que nos encontramos son la simbología cristiana del Alfa y el Omega (símbolo de que Cristo es el principio y el fin) en el fondo de una línea cromática azul.

Colores claros alrededor aparecen rodeando colores más oscuros para definir, predomina el dibujo sobre el color.

Aparecen a los lados dos ángeles y abajo Tetramorfos (San Juan el águila, San Mateo, el ángel San Lucas el toro y San Marcos el león)

Catedral de Santiago de Compostela

Catedral románica, de caracter religioso por tanto,  del siglo XI situada en la ciudad de Santiago de Compostela (España). Es un edificio que tiene un carácter peregrinaria.

Nos encontramos ante un edificio con planta de cruz latina, dividida en tres naves alrededor de todo el perímetro. Tenemos una catedral flanqueada por dos torres en la portada y otras dos a entrar en el transepto.

La nave central tiene bóveda de cañón sostenido con arcos fajones, las naves laterales tienen bóveda de arista. En la entrada nos encontramos un pórtico con bóveda de arista. En el cruce de las naves tenemos el cimborrio. En la cabecera hay un gran ábside con la cripta de Santiago Apóstol, con cuatro capillas absidiales y una capilla central plana. Encontramos también un deambulatorio separado del ábside central por columnas. Lateralmente al ábside central tenemos unos pequeños ábsides, dos a cada lado.

Separando las naves tenemos una arcada formada por arcos de medio punto peraltados, doblados, y sustentados por pilares en los que hay medias columnas que forman una cruz. Las medias columnas del lado del intradós llegan hasta la línea de imposta, tienen un fuste con tambores y un capitel decorado. En las medias columnas que no están en el intradós de los21 arcos no tienen capitel, sino un collarino a la altura de la línea de importa de los arcos, y luego, la columna adosada llega hasta la bóveda del techo.

Nos encontramos con un segundo nivel por encima del antes mencionado. Aquí, encontramos arquerías ciegas que llevan incrustadas dos arcos que se reparten el espacio, éstos son arcos peraltados de medio punto, sustentados sobre columnas semejantes a las antes descritas.

Otro elento a destacar es el Pórtico de la Gloria. Encontramos una puerta dividida34 en dos por un parteluz en el cual está la estatua de Santiago Apóstol y escenas de la Trinidad y las Tentaciones, entre otras . Encontramos también al lugar flanqueado por columnas en cuya parte superior están algunas de las figuras importantes del cristianismo, en ellas encontramos una expresividad, un diálogo entre las mismas, lo cual nos hace ver el carácter protogótico de este pórtico. En su tímpano majestuoso debemos destacar varios elementos como son ese Cristo en Majestad en el centro, con la mano derecha bendiciendo. En la parte perimetral del tímpano encontramos a los 24 ancianos del apocalípsis tocando una serie de instrumentos. Tenemos cuatro figuras flanqueando a Cristo, que son los cuatro evangelistas, y a parte de éstas, otras figuras que son los ángeles del cielo, y el pueblo (esculturas más pequeñas y numerosas).

Mosaicos de San Vitale de Ravena

El templo de San Vital se encuentra en la localidad italiana de Ravena. De esta construcción destaca el interior y, más concretamente, sus mosaicos. En el mosaico del ábside de la cabecera se observan cinco personajes. El más importante es Jesucristo, quien se encuentra en el centro sentado sobre una esfera terrestre. Se le representa como un joven lampiño aureolado (Cristo apolíneo), con una corona y un pergamino en las manos. En el extremo izquierdo se observa al mártir al que está dedicado el templo, San Vital, y en el extremo derecho el obispo Eclesio, portando en sus manos una maqueta del templo como ofrenda a Jesucristo. Los otros dos personajes son ángeles. Estos ángeles son representados como hombres jovenes, rubios, vestidos con túnica blanca larga y con un nimbo alrededor de sus cabezas. Actúan como mediadores entre Cristo, Eclesio y San Vital. El fondo es dorado y aparecen unas nubes rojas y azules (rasgos no muy bizantinos). Al ser una representación celestial se ve un cielo o un paraíso donde hay cuatro ríos.

Bajo este mosaico se encuentran otros dos: los de los emperadores Justiniano y Teodora con su séquito y corte respectivamente. Se encuentran debajo por ser los emperadores terrenales, mientras Jesucristo está arriba por ser el emperador celestial. 

En el mosaico de Justiniano aparecen el emperador (centro) rodeado de altos mandatarios religiosos y políticos. El emperador se distingue de los demás por el manto púrpura (color característico de los ropajes y botines de los emperadores), la corona y el halo que rodea su cabeza. Los personajes llevan diversos objetos relacionados con la Eucaristía (una cruz, una Biblia, una patena, un incensario) decorados con perlas y piedras preciosas, ya que era una costumbre anual que el emperador donase éstos a la Iglesia. Aparte del emperador se puede reconocer a Maximiano. El hecho de llevar la túnica unida con una fíbula era señal de ser una personalidad importante. Las figuras están representadas de frente, sin perspectiva alguna y de una manera ingrávida (es como si los personajes no pesasen, como si flotaran). Los fondos son neutros.

En el mosaico de Teodora y su corte se observa el camino que hace ésta desde Santa Sofía al palacio imperial. Los interiores se representan con las cortinas, las cuales tienen una variedad cromática y de las telas. Se supone que Teodora era una mujer humilde, pero en el mosaico va decorada con joyas. En el vestido de Teodora se representan los Tres Reyes Magos, como símbolo de ser ellos (los emperadores) los reyes del Imperio que también llevan objetos como regalo. Como otro elemento destacado aparece una fuente.

Panteón de Roma

El arte romano representa la culminación del proceso evolutivo de las culturas mediterráneas. Profundamente enraizado en la cultura griega, de la que es su más directo heredero, incorpora a ella múltiples elementos de las  diversas culturas mediterránea. Este aspecto de fusionar formas, técnicas y aspectos del arte de las culturas anteriores es esencial, al mismo tiempo que la extensión del Imperio romano, desde la India a los límites de Escocia e Irlanda y desde los bosques centro-europeos al desierto africano, ha de constituir el principal fundamento para la homogeneidad de la cultura occidental.

Se trata del edifico religioso ( templo) más importante de época romana, situado en Roma. El templo es el edificio religioso romano. Este tipo de edificios adquiere rasgos etruscos, pero  se asemeja mucho al templo griego. Su finalidad sigue siendo la misma, es la casa de los dioses.

El Panteón de Agripa fue mandado construir por Agripa en el año 27 a.C., pero reformado en el 120 d.C. por Adriano. Nos ha llegado casi intacto. Desde el exterior no se aprecia la magnitud del templo, que sin embargo en su interior es de grandes dimensiones.

Es un templo de planta circular con un pórtico rectangular. En el pórtico se aprecian 8 primeras columnas de grandes dimensiones, más de 12 m. de altura que le da el carácter de pronaos. Esta pronaos presenta la típica fachada de los templos con tímpanos, arquitrabe, friso y techo a dos aguas.

En cuanto a su interior, presenta una planta circular, grandiosa y sencilla. Su diametro y altura son de 43 m. Es la mayor cúpula de la Antiguedad. En su parte inferior existe un gran tambor, que es lo que sostiene realmente a la enorme cúpula. Este enorme tambor presenta huecos aprovechadas como si de capillas se tratasen, en las que existen dos columnas corintias que sostienen la parte superior del tambor. Se alternan con esos huecos pequeñas hornacinas. Éstas estan también delimitadas con pilastras con capiteles corintios y sobre ellas hay arquitrabes, frisos, cornisas. Van formando parte del tambor que se sobreeleva, alternando grandes hornacinas con casetones. Termina la fusión del tambor con la cúpula y un juego de cornisas.

La cúpula es de grandes dimensiones y, por lo tanto, muy pesada, cubriendo la totalidad del templo de la naos.

El equilibrio de la obra se aseguró por el procedimiento de aligerar la construcción todo lo posible sin reducir la resistencia de la estructura. En el muro que forma el tambor de la cella se practicaron capillas y hornacinas que redujeron el peso. Toda la obra se estrecha a medida que progresa en altura. En las zonas más bajas se incorporaron al hormigón los materiales pétreos más pesados, mientras que las zonas superiores incluyen otros más ligeros. En algunos puntos se aligeró la obra mediante la incorporación de cerámicas en el mortero. Los casetones de la bóveda de media naranja permiten reducir el peso sin debilitar la cubierta. Las capillas y casetones facilitaron el secado de las enormes cantidades de hormigón empleadas.

En el centro de la cúpula hay un gran óculo, que permite la claridad y servía para la salida de humos.

Este templo se levantó a todos los dioses por lo que fue de los más concurridos y famosos de Roma. Pero su gran aportación a la Historia del Arte es que rompió el concepto religioso griego-romano, pues incita al intimismo religioso ya que no sólo servía como morada de los dioses, sino también para la celebración de cultos.

El Panteón ha tenido una enorme trascendencia en la arquitectura occidental. Durante el Renacimiento, los artistas y arquitectos que volvieron los ojos hacia la antigüedad clásica no podían pasar por alto uno de los edificios más bellos y mejor conservados de toda Roma. Brunelleschi estudió el Panteón para la construcción de la cúpula del Duomo de Florencia, punto de partida de la arquitectura renacentista. Bramante y Miguel Ángel lo recrearon en obras como en la Basilica de San pedro o el Templete de San Pedro in Montorio.

Doríforo

Nos encontramos antes una obra escultórica de bulto redondo o exenta, realizada en mármol, aunque la obra original era en bronce.

Representa a un hombre joven, aunque no adolescente, desnudo en actitud de avanzar con el brazo izquierdo flexionado pues portaba una lanza que se ha perdido. Respecto al tema hay diversas interpretaciones pues se puede considerar que representa a un atleta o bien, estaríamos ante una obra de temática mitológica o heroica al representar a Aquiles.

Esta Obra supone la encarnación más pura del prototipo del cuerpo viril perfecto, de elegancia austera, sin formas hercúleas ni amaneramientos,una pierna soporta el peso del cuerpo y la otra apenas toca el suelo con la punta del pie, y flexiona la rodilla tirándola hacia atrás. La tensión que genera esta descompensación se compensa con ligeras inclinaciones en la pelvis y en los hombros.

El Doríforo aún mantiene algún signo de arcaísmo: está tallado con rudeza, los pectorales son planos y las líneas de la cintura y de la cadera están muy marcadas. Es una acción con mucha menos fuerza que la del Discóbolo de Mirón, pero el torso responde plenamente a ella. El Doríforo sosténía la lanza en la mano izquierda tensando por consiguiente el hombro izquierdo y levantándolo ligeramente. La pierna izquierda no soporta ningún peso y la cadera cae; se expanel torso el brazo derecho del Doríforo cuelga relajado, el hombro está caído. La pierna derecha soporta su peso, la cadera está levantada. El torso entre la cadera y la axila se halla contraído. El contraste por un lado del torso contraído y por el otro del extendido da al cuerpo un aspecto de dinámico equilibrio. La alternancia de miembros tensos y relajados combinada con un torso amoldable se denomina contrapposto. Es un recurso que ha sido utilizado en muchas ocasiones a lo largo de la historia del arte, por ser tan útil para infundir un sentido de vitalidad a figuras hechas de piedra, de bronce o bien pintadas.Por otro lado, la inclinación hacia la derecha de la cabeza del Doríforo supone la ruptura del punto de vista único que tenían las esculturas arcáicas. Ambos lados de la estatua presentan cualidades muy distintas, pero cada uno por separado es armonioso y bello. El lado derecho ofrece una sensación de reposo gracias a la continuidad de la línea vertical que va desde la pierna derecha que soporta el peso hasta el brazo en posición relajada, parece ser que la cabeza es la séptima parte del cuerpo; el rostro está dividido en tres partes iguales Para Policleto la belleza se traduce en belleza y proporción.

Discóbolo de Mirón

Mirón (490 – 440 a.C.) Siglo V a.C.Mirón es uno de los grandes representantes de la escultura griega. El gran mérito de Mirón consistíó en saber captar de modo único el movimiento. El artista dotó a la figura de gran dinamismo, recreando el momento previo al enderezamiento del cuerpo del atleta para lanzar el disco .El objetivo de Mirón consistíó en transmitir la impresión de movimiento de la figura y el artista realizó un gran esfuerzo por perder el hieratismo de la época arcaica y pasó a ser el escultor del movimiento. Provocó tensión entre las diferentes formas geométricas del cuerpo. El Discóbolo posee una composición basada en triángulos y curvas. La cabeza, la cadera y los pies forman una media circunferencia opuesta a otra semicircunferencia compuesta por los dos brazos extendidos. También se aprecia una línea en zig-zag que desciende desde el brazo derecho hasta el hombro, del hombro a la cintura, de la cintura a la rodilla derecha, y de ésta al pie izquierdo. Mirón consiguió representar el cuerpo humano en todo su dinamismo presentando sus rasgos más carácterísticos según el modelo de los antiguos egipcios.





Como la figura fue hecha con la finalidad de representar el movimiento, no nos muestra la técnica real utilizada por los lanzadores de la época. El Discóbolo supuso un gran avance en el movimiento por parte de la escultura. Muestra algunas carácterísticas del periodo arcaico: la cabeza posee algo de la inmovilidad del estilo anterior, la sonrisa se asemeja a la peculiar “sonrisa arcaica” y los cabellos poseen algunos rizos uniformes. La escultura original era de bronce, pero perdida entre otras muchas estatuas griegas, sólo nos queda poder apreciar la técnica escultórica de Mirón a través de la copia, reproducida en mármol.

Mezquita de Córdoba

Se trata de la Aljama de Córdoba, construida durante el Emirato y el Califato de Al Andalus (entre los siglos VIII y X). Servía para la oraciós.

Tres partes fundamentales se pueden señalar de la Mezquita: el patio (sahn) descubierto, en el que se observa el emplazamiento del alminar de planta cuadrada y la fuente (sahil) para los ritos obligatorias antes de entrar en la gran sala de oración cubierta y dividida por 18 hileras de columnas que forman 19 naves (haram), todas ellas orientadas perpendicularmente al muro de la quibla, en el que destaca como elemento sobresaliente el mirhab. El muro que rodea el edificio está horadado por varias puertas en tres de sus cuatro lados.

En el interior de la sala de oración se aprecia el mármol de las columnas, la caliza y el ladrillo de las dovelas alternadas de los arcos. Parece un sistema adintelado pero con arcos . Los soportes van en un sistema doble.

Aparecen elementos decorativos en capiteles (relieve), transiciones de soportes con modillones rollos y dovelas con alternancia cromática. No hay decoración figurativa (iconoclastia). Es un espacio oscuro por la falta de vanos.

Esta Mezquita se realiza en la ciudad de Córdoba, capital de al Andalus, que fue un importante centro económico y cultural.

La primera mezquita es obra de Abderramán I la realiza sobre la antigua iglesia visigoda de san Vicente. En el año 785 inició el derribo de la Iglesia y la construcción de la mezquita aljama, con 11 naves y un patio. Abd al-Rahman II alargó el antiguo edificio en dirección sur derribando la quibla en el año 848. También ordenó derribar el primer alminar y construir uno nuevo. Comenzó al-Hakam su reinado con la ampliación de la mezquita el 16 de octubre del año 961.  Se alargaron más las once naves hasta el Guadalquivir, se levantó la Maxura nueva y se construyó el Mihrab definitivo. Estuvo acabada en el 969. Algunos años después, Almanzor, se decidió a ampliarla por el lado oriental, que era el único por el que se podía hacer. En el año 987 se añadieron 8 naves más con toda la largura de las anteriores y terminó el patio.

Estos ensanches produjeron un resultado definitivo: la descentralización del mirhab.Sólidos muros delimitan el espacio arquitectónico exteriormente, robustecidos con contrafuertes que, en el muro de la quibla, coinciden con los ejes que separan las distintas naves. Sobre éstos reposan las cubiertas.Además se introducen novedades como las bóvedas de nervios o califales, montadas sobre trompas y con bóvedas gallonadas en el centro. Se introduce además el arco lobulado y entrecruzado, el arco califal, la decoración de ataurique  y escritura cúfica, además del mosaico vidriado, para  realizarlo vinieron artesanos bizantinos.

Alhambra de Granada

Fue construido entre los siglos XIV y XV por la dinastía nazarí granadina.El patio de los leones, concretamente, fue construido entrado el siglo XV por Mohamed V.

La Obra que vamos a comentar, el patio de los leones, forma parte de un conjunto mucho más amplio formado de una parte por los palacios o cuartos, el de Comares y el de los leones y la fortaleza, que desempeña una función claramente defensiva. Esta función defensiva de la Alhambra. Su nombre deriva de la denominación  "fortaleza roja", pues el exterior destaca por el color rojizo de su piedra y la sobriedad de sus formas, de las que sobresalen las formas cúbicas de las torres y que nada hacen presagiar la riqueza decorativa del interior.

El palacio de los leones, el último en construirse, se organiza,  entorno a un patio. En esta ocasión se trata de un patio que aparece porticado por sus cuatro lados con abundancia de columnas de fuste fino y multitud de anillas típicamente nazaríes y rematadas por capiteles de forma cúbica muy decorados.  En el centro del patio aparece una gran fuente sostenida por doce leones de donde parten cuatro canalillos que la conectan con cuatro fuentes menores situado en las cuatro estancias principales del palacio y cuya simbología, junto a la abundancia de árboles y plantas aromáticas que decoraban el patio, hay que relacionar con la idea del paraíso islámico. En los lados mayores se encuentran las estancias conocidas como de los abecenrajes, que destacan tanto por la riqueza de su decoración como por sus bellas cúpulas de mocárabes, construidas en yeso cubriendo un techo adintelada. En los lados menores las sucesivas estancias aparecen comunicadas por falsos arcos de mocárabes y la luz que entra tanto del lateral del palacio como la luz cenital que penetra de las claraboyas superiores, crean efectos de gran belleza al conjunto. Entre estas estancias destaca la conocida como "sala de los Reyes" debido a la decoración pictórica de la bóveda donde aparecen los reyes de la dinastía nazar.

Estamos sin duda ante el último y más rico ejemplo de arte islámico en España. 

 

Augusto de Prima Porta

Augusto de Prima Porta. Obra de Autor desconocido de hacia el 19 a.C. aunque la copia data del 14 d.C. Actualmente esta Obra se encuentra en los Museos Vaticanos. 

Esta obra de bulto redondo realizada en mármol se trata de una copia realizada tras la muerte de Augusto de un retrato original en bronce. Esta copia fue hallada en la Villa de Prima Porta a las afueras de Roma.
Aparece representado Augusto de cuerpo entero, vestido con túnica sobre la que lleva una coraza musculada y un manto que rodea su cadera y sostiene con el brazo izquierdo mientras levanta el brazo derecho en actitud de predicar a las tropas. Con la mano izquierda sostiene el baston consular.

El Augusto de Prima Porta se inspira claramente en el Doriforo de Policleto como se puede observar tanto en las proporciones de la escultura como en la posición que adopa al apoyar el peso del cuerpo sobre la pierna derecha mientras dobla y retrae la izquierda (contrapposto).

Hay que ver en esta obra una intencionalidad política de propaganda como podemos obeservar en los relieves representados en la coraza donde, bajo la representación de la bóveda celeste aparece Tiberio, recibiendo las águilas e insignias arrebatadas a las legiones romanas al mando de Craso. En la parte inferior se observa a la Madre Tierra con Rómulo y Remo y el cuerno de la Abundancia, escoltados por Apolo y Diana. Así mismo bajo los pies de Augusto aparece una representación de Cupido cabalgando a lomos del delfín. Así mismo, el hecho de que aparezca Augusto con los pies descalzos, cosa que en la obra original en bronce no sucedía nos informa sobre la consideración que recibe Augusto como dios y nos informa sobre la fecha de la obra posterior a la muerte de Augusto pues éste no fui divinizado hasta su muerte.

Con esta Obra se inician los retratos imperiales como elementos de difusión de la imagen del emperador a lo largo del Imperio así como elemento de propaganda y legitimación del poder imperial.

Coliseo

En el anfiteatro ocupó el emplazamiento de un lago artificial que había creado Nerón y lo mandó a edificar Vespasiano, destruido por un incendio lo inauguró su hijo Tito.

El anfiteatro es una obra original romana y cuyo espacio estaba destinado a combates entre gladiadores o de éstos con fieras así como ejecuciones públicas, espectáculos sangrientos muy populares entre el pueblo romano.

La enorme obra del Coliseo, fue un ejemplo de la capacidad arquitectónica romana de construir enormes edificios. Construido en bloques de travertino con juntas de hormigón, ladrillo y piedra de toba, el edifico presentaba unas dimensiones de 187 metros de largo por 155 de ancho y cuatro pisos de altura.

Su fachada, organizada en torno a pisos, donde en cada uno de ellos un orden clásico diferenciado, el orden toscano para el primer piso, el jónico en el segundo y el corintio en el tercero. Resulta novedosa la utilización conjunta del arco de medio punto y el dintel. El cuarto piso fue una ampliación posterior de la época de Domiciano y consiste en un cuerpo macizo con pilastras adosadas cuyo objetivo era sustentar los mástiles de madera en los que se fijaba un inmenso velarium cuyo objetivo era proteger del mal tiempo a todo el graderío.

Su capacidad alcanzaba los 50.000 espectadores. Una vez dentro observamos el uso por vez primera de la bóveda de crucería originada del cruce de dos bóvedas de cañón. El graderío se encontraba dividido en diferentes zonas.

Bajo la arena se construyó tambien en época de Domiciano el hipogeo, una extensa red de galerías y sistemas de grúas y poleas cuya función era agilizar el espectáculo que tenía lugar en la arena facilitando la salida de animales, gladiadores o decorados.

El Coliseo fue inaugurado durante el reinado del emperador Tito en el 80.